Zusammenfassung der Filmfestspiele von Venedig: Von einem verworrenen und prätentiösen Don’t Worry Darling bis zum effektiven Schnulzen The Whale

NHeute ist Venedig mit stolzen 90 Jahren das älteste große Filmfestival der Welt. Die 1932 gegründete Veranstaltung findet immer noch auf der milden Strandinsel Lido statt und hat eine verblasste Eleganz, die andere Veranstaltungen wie Cannes und Berlin einfach nicht nachahmen können. In den 1930er Jahren waren die Kontroversen eher politischer Natur. Der Hauptpreis hieß The Mussolini Cup. Um Filme wie den von Jean Renoir gab es heftige Auseinandersetzungen Große Illusionder später in Italien als zu links verboten wurde, und der der deutschen Regisseurin Leni Riefenstahl Olympiadie viele als NS-Propaganda betrachteten.

Auch die Ausgabe 2022 hat für viel Gesprächsstoff gesorgt, diesmal jedoch nicht mit Faschismus. Olivia Wildes Schau jetzt nicht hin, das wie ein gefährliches UFO mit Harry Styles in der Mitte des Festivals auf dem Lido landete, löste dank all der reißerischen Vorabberichte über Fehden und Affären während der Dreharbeiten einen Medienrummel aus. Wildes Film war nicht im Wettbewerb und ist nicht im Rennen um den Goldenen Löwen, der am Samstag bekannt gegeben wurde. Ein prätentiöser dystopischer Thriller mit einer sehr verworrenen Handlung, der hätte sowieso nicht gewonnen. Diese Ehre ging an den Dokumentarfilm von Laura Poitras All die Schönheit und das Blutvergießenwährend der inhaftierte iranische Regisseur Jafar Panahi den Sonderpreis der Jury für gewann Keine Bären und der Silberne Löwe ging an die französische Regisseurin Alice Diop für ihr Gerichtsdrama, Heiliger Omer.

Dokumentarfilme schaffen es normalerweise nicht einmal in den Hauptwettbewerb von Venedig, geschweige denn, ihn zu gewinnen, aber All die Schönheit und das Blutvergießen ist mitreißend, wütend und sehr bewegend. Der Film untersucht, wie die Künstlerin/Fotografin Nan Goldin die Sacklers, die milliardenschwere amerikanische Familie hinter OxyContin, der hochgradig süchtig machenden Droge, die während der Opioidkrise Zehntausende tötete, „zu Fall brachte“. Dabei geht es auch um Goldins Leben: den Suizid ihrer Schwester, ihre Erfahrungen mit Sucht und sexueller Belästigung – und die furchtlose Art und Weise, wie sie sich in ihrer Arbeit ihren eigenen Dämonen stellt.

Goldins Kampagne hat dazu geführt, dass eine Vielzahl britischer und amerikanischer Museen ihre Verbindungen zu den Sacklers abgebrochen haben. „[But] der Direktor des V&A hat den Sacklers die Treue gehalten“, sagte mir Goldin. Das V&A ist also eine der wenigen großen Kulturinstitutionen, die ihre Abhängigkeit von Sacklers Bargeld noch nicht abgeschüttelt oder den inzwischen giftigen Namen der Familie von ihren Wänden geschrubbt hat.

All die Schönheit und das Blutvergießen ist sowohl ein intimes Künstlerporträt als auch eine Kampagnendokumentation mit stark polemischem Einschlag. Mit ihrem Goldenen Löwen hinter sich, Poitras, die bereits einen Oscar für ihren Dokumentarfilm über Edward Snowden gewonnen hat, Bürger vier, ist sicher im Rennen um einen weiteren. Auch viele andere Titel, die in den letzten 10 Tagen gezeigt wurden, hätten den Hauptpreis in einem ungewöhnlich reichhaltigen Programm voller potenzieller Oscar-Anwärter gewinnen können.

Die auffälligste Leistung war von Cate Blanchett, deren Preis für die beste Schauspielerin niemanden überraschte. Als weibliche Operndirigentin im Todd Field’s war sie gebieterisch Teer. Wenn es darum geht, eigensinnige und emotional verletzliche Klytämnestra-ähnliche Charaktere zu spielen, hat sie nur wenige Gleichgestellte. Fields Film ist sehr lang. Manchmal, wie wir sehen, wie Blanchetts Lydia Tar die Berliner Philharmoniker dirigiert oder ausführliche Interviews auf der Bühne gibt New-Yorker Journalisten wirkt der Ansatz trocken und scholastisch. Der Film entwickelt jedoch eine sengende emotionale Aufladung, als sich Lydias Leben aufzulösen beginnt. Sie riskiert, wegen politisch unsensibler Äußerungen, die sie gegenüber Studenten macht, „abgesagt“ zu werden. Ihre hochmütige Behandlung junger Frauen, die für sie arbeiten, provoziert eine wütende Gegenreaktion.

Jenseits von Gena Rowlands als Theaterstar in John Cassavetes, der kurz vor dem Zusammenbruch steht Eröffnungsnacht, fällt es schwer, sich andere Darstellungen von Künstlerinnen unter Stress vorzustellen, die die gleiche wilde Intensität erreichen, die Blanchett hier erreicht. Sie ist wirklich die Maestro.

Fast ebenso kraftvoll, aber in einem ganz anderen Register, war Penelope Cruz in dem Coming-of-Age-Drama des italienischen Regisseurs Emanuele Crialese. L’Immensita, spielt im Rom der 1970er Jahre. Cruz spielt Clara, eine bürgerliche Ehefrau und Mutter mit einem missbräuchlichen Ehemann. Die Geschichte wird aus der Sicht ihrer ältesten Tochter Andrea gesehen, die sich danach sehnt, ein Junge zu sein. Cruz ‘Charakter ist selbst kindlich, eine verspielte, freigeistige Frau, die von einem patriarchalischen System niedergeschlagen wird. Wie in ihren Melodramen mit Pedro Almodovar behält Cruz ihren Glanz, unabhängig von den Schlägen, die sie erhält. Der Film selbst ist verstreut und unregelmäßig, aber sein spanischer Star ist so anziehend wie eh und je.

Eine weitere sehr beeindruckende Wendung einer weiblichen Hauptrolle kam von Tilda Swinton in Joanna Hoggs Geistergeschichte/Familienpsychodrama, Die ewige Tochter. Swinton spielt zwei Rollen – eine Künstlerin/Filmemacherin und ihre betagte Mutter. Zusammen übernachten sie in einem Fawlty Towers-ähnlichen Landhaushotel, das viele Jahre zuvor das Elternhaus der Mutter war. Hogg verwendet alle bekannten Spukhaus-Tropen – Nebel, Wind, Türen, die knarren, Gesichter, die flüchtig an Fenstern zu sehen sind. Die Handlung ist ein wenig gekünstelt, mit einem starken Hauch von M Night Shyamalan Der sechste Sinn oder Alejandro Amenabars Die Anderen. Sogar so, Die ewige Tochter ist nach wie vor eine sehr bewegende Angelegenheit. Swinton glänzt in ihrer Doppelrolle. Als ältere Frau sieht sie beunruhigend aus wie die von Ingrid Bergman gespielte Mutter der Pianistin Herbstsonate – und wie Bergman bringt sie enormes Pathos in die Rolle.

Eröffnet wurde das Festival mit Noah Baumbachs Don-DeLillo-Adaption, Weißes Rauschen. Das war subversiv, düster und lustig. Es bietet wohl Adam Drivers bisher beste Leinwandleistung als Jack Gladney, der brillante Professor, der sich auf Hitler-Studien an einer US-Kleinstadtuniversität spezialisiert hat. Jack wird mit einer Reihe immer apokalyptischerer Ereignisse konfrontiert. Driver spielt ihn wunderbar entspannt und begegnet jeder neuen Katastrophe mit einem lässigen Achselzucken.

Greta Gerwig (Babette), May Nivola (Steffie), Adam Driver (Jack), Samuel Nivola (Heinrich) und Raffey Cassidy (Denise) in „White Noise“

(Wilson Webb/Netflix)

Der Fahrer legte ein wenig Gewicht zu, um die Rolle zu spielen, aber nichts wie die Fettschichten, die Brendan Fraser bedecken Der Wal, Darren Aronofskys Kammerspiel über einen kranken, krankhaft fettleibigen Mann, der in seiner Wohnung festsitzt und versucht, die Schuld zu sühnen, die er wegen seiner Behandlung der ihm am nächsten stehenden Menschen empfindet. Die Prämisse mag nicht verlockend klingen, aber dies entpuppte sich als effektiver Schnulzen.

Es gab einige Blindgänger. Florian Zellers Der Sohn war trotz seines Themas seltsam regungslos. Dies ist die Geschichte eines unruhigen Teenagers, Nicholas (Zen McGrath), der Verzweiflung und Selbstmord immer näher kommt. Sein Vater, ein prominenter Anwalt (Hugh Jackman), ist mit seiner zweiten Frau (Vanessa Kirby) verheiratet und hat mit ihr ein kleines Kind. Nicholas hat ihm jedoch nie verziehen, dass er seine erste Frau Kate (Laura Dern) verlassen hat. Er hat begonnen, sich selbst zu verletzen und hat monatelang die Schule geschwänzt. Seine Eltern sind hilflos, ihn zu beschützen, während er unaufhaltsam dem Abgrund entgegengleitet. Viele Eltern und Jugendliche werden sich mit der Geschichte identifizieren, aber Zeller erzählt seine düstere Geschichte auf so schematische und vorhersehbare Weise, dass der emotionale Kick nur sehr schwach ist.

Brendan Fraser in „Der Wal“

(A24)

Der mexikanische Regisseur Alejandro Gonzalez Inarritu Bardo ist der Versuch, ein zutiefst persönliches Porträt des Künstlers im Stil Federico Fellinis zu zeichnen 8 1/2 oder die autobiografischen Filme von Paolo Sorrentino. Formal ist es eine Tour de Force, voller aufwändiger Reiseaufnahmen, wie sie Iñárritu in Birdman verwendete. Während es voller magisch-realistischer Höhenflüge ist, ist es auch schrecklich selbstgefällig – ein weitschweifiges dreistündiges Epos über einen mexikanischen Dokumentarfilmer (Daniel Gimenez Cacho), der ein unpassendes verschwenderisches Leben führt Dolce Vita-Stil-Existenz und dessen einzige wirkliche Obsession er selbst ist.

Die meisten britischen Filme wurden gut aufgenommen. Bill Nighy erhielt stehende Ovationen für seine Leistung als Mr. Benn-ähnlicher Geschäftsmann im London der 1950er Jahre, der feststellt, dass er nur noch sechs Monate Zeit hat, um bei Oliver Hermanus zu leben Leben. Das italienische Publikum ist manchmal verblüfft über die britische emotionale Zurückhaltung, aber es liebte die wunderbar schrullige und zurückhaltende Art und Weise, wie Nighy Mr. Williams spielte und versuchte, etwas Freude und Erfüllung aus seinen letzten Lebenswochen herauszuholen. Der Film wurde außer Konkurrenz gezeigt, nachdem er bereits in Sundance gezeigt worden war. (Sein Drehbuchautor, der Romanautor Kazuo Ishiguro, war Mitglied der Festivaljury.)

Ein von Netflix veröffentlichtes Bild aus dem bevorstehenden Film „Bardo“

(AP)

Das Publikum in Venedig genoss auch den Debütfilm von Georgia Oakley Blaue Jeans, spielt im Nordosten Englands in den 1980er Jahren (den dunklen Tagen von Margaret Thatcher und Section 28) und handelt von den Mühen einer lesbischen Sportlehrerin (der sehr auffallenden, Jean Seberg-ähnlichen Newcomerin Rosy McEwen). Seltsamerweise war dies einer von mehreren Filmen in Venedig, die entweder Joy Division- oder New Order-Musik enthielten. Luca Guadagnino hat Ersteres in seinem Kannibalen-Roadmovie effektiv genutzt, Knochen und alleseine blutige, aber exquisit gemachte und sehr romantische Affäre mit Timothee Chalamet und Taylor Russell (der den Preis für den besten Nachwuchsdarsteller gewann) als Liebhaber mit Appetit auf rohes Fleisch.

Guadagnino, der den Preis für den besten Regisseur erhielt, kam aus Venedig mit einem noch weiter verbesserten Ruf hervor. So auch Martin McDonagh dank seiner großartigen neuen Tragikomödie. Die Todesfeen von Inisherin (das als bestes Drehbuch ausgezeichnet wurde). Der Film spielt auf einer abgelegenen Insel während des irischen Bürgerkriegs in den 1920er Jahren und bringt Colin Farrell und Brendan Gleeson wieder zusammen, die auch als ungleiches Paar in McDonagh’s zusammen auftraten In Brügge und könnte durchaus die ganz eigene Antwort des irischen Kinos auf Jack Lemmon und Walter Matthau werden. Sie spielen Nachbarn und ehemalige beste Freunde, Padraic und Colm. Jetzt hat Colm entschieden, dass er Padraic nicht wirklich mag. Beide Schauspieler sind hervorragend (Farrell wurde als bester Schauspieler ausgezeichnet) in einem Film, der es schafft, beißend witzig zu sein und gleichzeitig subtile Punkte über alles zu machen, von der Natur männlicher Freundschaft bis zu den Ursachen politischer Auseinandersetzungen.

Farrell und Gleeson in „Die Banshees von Inisherin“

(AP)

Außerhalb des Hauptwettbewerbs gab es auch einige Perlen. Der poetische, aber leise niederschmetternde Dokumentarfilm des israelischen Regisseurs Guy Davidi Unschuld untersuchte, wie junge Israelis im Alter von 18 Jahren zum Militärdienst gezwungen werden, unabhängig von ihrem Temperament oder Glauben. Davidi verwendet keine Voice-Overs oder Interviews. Stattdessen stützt er sich stark auf Zeitschriften, Tagebücher und Videoaufnahmen einiger der jungen Militärrekruten, die ihre Tortur nicht überlebt haben.

Anders als Cannes, das Netflix und Amazon immer noch als tödliche Bedrohung für die Zukunft des Kinos betrachtet, hat Venedig keine Bedenken, neue Filme zu zeigen, die von den Streamern finanziert werden. Das heißt, es bekommt Filme wie Weißes Rauschen und Andrew Dominiks polarisierendes Biopic über Marilyn Monroe Blond dessen Star Ana De Armas weinte, nachdem sie bei der Premiere 14 Minuten Standing Ovations erhalten hatte. Während andere Festivals von der Pandemie zum Kentern gebracht wurden, segelte Venedig munter weiter. Die Ausgaben 2020 und 2021 wurden fast so normal fortgesetzt wie physische Veranstaltungen, wenn auch mit weniger Besuchern. Auch dieses Jahr war das Lido wieder brechend voll. Aspekte des Festivalrankle. Die Organisatoren sind so besessen vom Glamour des roten Teppichs, dass man vermutet, dass sie Filme manchmal eher wegen ihrer Starleistung als wegen ihrer ästhetischen Errungenschaften einladen. Wenn Sie jedoch einen ersten Blick auf die wahrscheinlichen Oscar-Preisträger des nächsten März erhaschen möchten, ist Venedig immer noch der richtige Ort für Sie.

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JOE HERNANDEZ

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